Rudi Gernreich om Unisex -mode

Rudi Gernreich om Unisex -mode


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Rudi Gernreich, den österrikiskt födda avantgardistiska formgivaren på 1950- och 1960-talen, finner substans i stil i sin diskussion om androgynklädningens inverkan på könsroller.


Bortom det blottade bröstet

Idag är den österrikisk-amerikanska designern Rudi Gernreich (1922-85) mest känd för sin toplösa baddräkt, eller "monokinin" som den kallades, förkroppsligad av Peggy Moffitt. Denna ikoniska bild, tillsammans med hans så kallade "kokiga" mönster i psykedeliska färger och snygga rymdåldersilhuetter har populärt definierat hans verk. Som designer definierade han en tidsmodejournalist för The New York Times, Bernardine Morris kallade honom "landets ledande avantgarde-designer på 1950- och 60- och 8217-talen. Men Gernreichs inflytande var djupare: från hans engagemang i de tidiga delarna av Amerikas homosexuella rörelse, till hans djärva och ofta kontroversiella uttalanden som han gjorde som designer som ifrågasatte modeets roll i kulturen. Trots detta har Gernreich blivit mer en fotnot i modehistorien än en generationens kulturella ikon, en titel mer värd för den dynamiska designern.

Gernreichs topplösa kostym fotograferades först för Se tidningen i juni 1964, men den okända modellen höll henne tillbaka till kameran. Första gången den visades på en modell med brösten utsatta var i Women's Wear Daily senare samma månad på den ikoniska Peggy Moffitt.

Designerens historia börjar i den dystra miljön av Europa före kriget. Gernreich och hans judiska mor flydde från Wien till Kalifornien strax efter att nazisterna anslöt sig till Österrike 1937. Efter några korta stunder i Hollywood, till exempel hans jobb med att skissa för den berömda kostymdesignern Edith Head (mycket senare skapade han underbara kostymer för Otto Premingers otroligt dåliga musikal) Skidoo), började han producera mönster för modeindustrin 1950. Runt denna tid blev han romantiskt involverad i Harry Hay, en politisk aktivist som ofta kallades grundaren av den moderna homosexuella rörelsen. Under deras treåriga relation grundade de Mattachine Society, Amerikas första homosexuella rättighetsorganisation. Gernreichs deltagande i gruppen var kort men avgörande det varade bara några år, och efteråt erkände han aldrig offentligt sin homosexualitet igen. Hans medgrundare och före detta partner Hay gick åt andra hållet och fortsatte med att grunda Radical Faeries, en ”gay hippie” -grupp, på 1970-talet, en grupp som fortsätter att ha aktivt medlemskap internationellt idag.

Gernreich (bär slipsen) grundade Mattachine Society med Harry Hay, uppe till vänster.

Gernreichs korta, men inflytelserika engagemang i homosexuella rörelsens historia överlever i en Mattachine -anteckningsbok i designerarkivet på UCLA i Kalifornien. En särskild sida visar anteckningar för en planerad diskussion om "camping" - agerar upprörande och kvinnligt. Tonen i hans frågor är överraskande noggrann för 1951 och lyder: ”Eftersom vi är överens om att camping är medvetet homo [sic] uttryck, vad är då omedvetet homosexuellt beteende [?]” Och ”Hur kan camping bli ett acceptabelt homosexuellt uttryck? 'Efter att ha lämnat gruppen (och Hay) 1953 erkände Gernreich aldrig offentligt detta eller någon koppling till homosexuella rättigheter igen, även om hans arbete som designer fortsatte att förkroppsligar idéer om radikalt tänkande och personligt uttryck. När Gernreichs toplösa baddräkt först dök upp 1964 var designen en succès de scandale, inspirerar cirka 20 000 pressartiklar som svar. Designen skapades på förslag av Susanne Kirtland, redaktör på Se tidning, läser Gernreichs uttalanden om den förestående vurm för "topplöshet". Kirtland kontaktade formgivaren 1962 och bad honom att göra en topplös kostym, han drog ut, av rädsla för att det skulle förstöra hans karriär. Kirtlands svar var, ”Åh, men du måste jag har redan fått godkännande från front office.” Gernreich erkände slutligen, motiverad av rädslan att hans konkurrent, Emilio Pucci, skulle göra en topplös kostym först. Även om designen inte blev en kommersiell framgång (endast 3000 exemplar av den sålda kostymen), satte detta enda plagg Gernreich i historieböckerna för sin risqué och avslöjande natur. Men detta var inte uttalandet designern avsåg. För Gernreich hade gesten rötter i hans europeiska uppfostran. Plagget var progressivt och implicit feministiskt: om män kan gå topplösa, varför kan inte kvinnor? I en uppsats för en turné retrospektiv av designerns arbete, "Fashion Will Go Out of Fashion", förklarar författaren Elfriede Jelinek kostymets värde och förklarar att Gernreich "inte gör det för att betona nakenheten i den övre halvan av kvinnans kropp . I stället, genom att delvis avslöja denna del av kroppen, klär han den, men på ett annat sätt, och återskapar den. ”Trots detta var den amerikanska medias reaktion påfrestande och därefter blev Gernreich förknippad med” kokigheten ”och” galna stilar under denna revolutionära period i mitten av sextiotalet, en klyscha som han aldrig lyckades fly.

Stillbilder från kortfilmen ‘Basic Black’ av William Claxton, make till Gernreich -musan Peggy Moffitt, från Gerneichs mode från 1967.

1967, på höjden av sin berömmelse, slutade Gernreich sin ateljé och berättade The New York Times att han var "utmattad". Han monterade aldrig en större samling igen men fortsatte att erbjuda fruktansvärda förutsägelser till pressen. År 1970, Liv tidningen bad honom att förutsäga framtidens mode, Gernreich ordnade att ett par modeller skulle se ut nakna och helt rakade vid ett reklamevenemang. Han förklarade senare, ”Vad unisex betyder är att vi är bortom patologi och mode är färdigt.” Modets död blev hans stora tema: ”Mode kommer att gå ur mode”, sa han Forbes. Till en annan intervjuare sa han: ”Jag är inte ute efter att döda mode. Den är redan klar. Ordet har ingen betydelse. Det står för alla felvärden. Snobbism, rikedom, de få utvalda. Det är asocialt. Den isolerar sig från massorna. Idag kan du inte vara asocial, så mode är borta. Till och med ordet har blivit lite pinsamt. Kläder. Redskap. Detta är dagens ord. ”Dessa breda sidor hjälpte lite till designerns karriär och ignorerades i stor utsträckning av modepressen.

Rudi Gernreich ’s ‘ Unisex Fashions ’ som dök upp i Liv tidningen 1970, som modeskottet ‘Double Exposure ’.

Två år efter hans död 1985 gav Peggy Moffitt, hans musa och vän, en intervju till Fashion Institute of Technology som avslöjar begränsningarna i hans aktivistiska tillvägagångssätt för designern. Hon förklarar att, 'Han gillade tanken att vara profet. Det är fantastiskt att profetera, men då säger du "Peggy, kan vi se det första stycket?" … Han älskade att vara med i rubrikerna. Men han älskade inte att göra dessa kläder längre. ” När det granskas närmare har Gernreichs karriär djupgående konsekvenser utöver hans "monokini" -design. Han var en aktivist i hjärtat, med progressiva och kontroversiella designuttalanden som ofta missförstod av pressen. Vad branschen ville ha var de "kokiga" kläderna som var så populära på den tiden men vad Gernreich hade var ett överflöd av idéer. Det är intressant att spekulera, femtio år efter denna radikala - och misstolkade - gest av topless, om han tillbringade sina sista år med att önska att han aldrig hade gjort den där baddräkten alls.


Unisex

Fashion for the 70 ’s Rudi Gernreich Förutsägelser från 1 jan 1970 Life Magazine

Vinter eller sommar, man eller kvinna, alla kommer att klä sig lika.

“I kallt, vintrigt väder, förutspår Gernreich, "både män och kvinnor kommer att bära tunga ribbade trikåer och vattentäta stövlar. ”

Långt innan onlineshopping förutspådde han korrekt:

”Det kommer att vara omöjligt att köra till butiker på grund av trafik, så alla kläder kommer att beställas från en katalog eller TV -apparat. ”

Han föregick PETA, han var också rätt mot havet av syntetiska material som vi skulle drunkna med under detta Quiana -konsumerade årtionde.

"Och eftersom djur som nu levererar ull, päls och läder kommer att vara så sällsynta att de måste skyddas och vävning av tyg som bomull kommer att vara för mycket besvär, kommer de flesta kläder att vara helt tillverkade av billiga och engångssyntetstickor."

Fashion for the 70 ’s Rudi Gernreich Förutsägelser från 1 jan 1970 Life Magazine

"Kläder kommer inte att identifieras som vare sig manliga eller kvinnliga, säger Gernreich, och#8221 förutspår korrekt unisex -dille".

”Så kvinnor kommer att bära byxor och män kommer att bära kjolar omväxlande. Och eftersom det inte kommer att finnas någon gnällighet om nakenhet, kommer genomskinliga kläder bara att vara genomskinliga av bekvämlighetsskäl. ”

Kanske i en nick till sin topless baddräkt som orsakade en sensation på 1960 ’s, förutspådde designern:

”Vädret som tillåter båda könen kommer att gå på bar bröst, även om kvinnor kommer att bära enkla skyddande pajer. Smycken kommer bara att existera som ett verktyg- det vill säga att hålla något uppe eller tillsammans, som ett bälte eller för information, som en kombination av armbandsurets väderindikator, kompass och radio. ”

“ Modeets estetik kommer att utveckla kroppen själv. Vi kommer att träna kroppen att växa vackert snarare än att täcka den för att producera skönhet. ”


Rudi Gernreich -plagg presenteras i A Queer History of Fashion

Vi är glada över att två Rudi Gernreich -plagg från vår kollektion finns med A Queer History of Fashion: Från garderoben till Catwalk på museet på FIT. Öppet till och med 4 januari 2014, A Queer History of Fashion utforskar & kvotbetydande bidrag till mode från HBTQ
(lesbisk-gay-bisexuell-transgender-queer) individer under de senaste 300
år. & quot Innehåller cirka 100 ensembler som sträcker sig från 1700 -talets herrkläder till 2100 -talets high fashion, hedrar denna utställning många, och ofta dolda, bidrag från homosexuella och lesbiska designers. Det har blivit underbar press, så om du är i New York, missa inte det!

Rudi Gernreich (1922-1985) var inte offentligt ute under sin livstid. Liksom många andra kända designers höll Gernreich sin sexuella läggning dold för allmänheten. I privatlivet var Gernreich dock delaktig i viktiga ansträngningar för att avstigmatisera homosexualitet. 1950 blev Gernreich romantiskt involverad i Harry Hay. Hay hade formulerat en idé för ett hemligt samhälle som stöder homosexuella män och sökte likasinnade män att gå med i hans grupp. Gernreich stödde Hay's radikala plan, och tillsammans med en liten grupp vänner grundade de Mattachine Society. Föreningens första gren var baserad i Los Angeles, men off-shoots kom snart fram i andra stadscentrum. Med sin tonvikt på att minska isoleringen och främja gemensamma orsaker bland homosexuella män, var Mattachine Society en av de tidigaste homosexuella grupperna i USA.

Kaftan
Rudi Gernreich
1970
Legat av Rudi Gernreich Estate
G85.331.17

Denna kaftan (en av två Gernreich -kaftaner vi lånat ut till A Queer History of Fashion) är det ultimata uttrycket för Gernreichs ogillar mot mode som begränsade rörelse. Som designer arbetade Gernreich för att frigöra kroppen. Hans No-Bra behåar, ofodrade behåar som ger ett naturligt utseende, och den berömda bröst-baring monokinin, visar denna insats. Även om många av Gernreichs design framhöll ungdomliga kroppar, föreslog Gernreich med denna kaftan en unisex -uniform för äldre.

Denna sidenkaftan skapades för Expo 1970 och hölls i Osaka, Japan, och designades för maximal komfort. Istället för att betona kroppen var den utformad för att abstrakta kroppen. Med Gernreichs ord, "Om en kropp inte längre kan accentueras bör den abstraheras." För att distrahera från kroppen tog Gernreich både den voluminösa silhuetten och det färgstarka, abstrakta mönstret.  

Liksom många av Gernreichs senare designer var dessa kaftaner avsiktligt unisex. För att slutföra unisex -looken rekommenderade Gernreich att både män och kvinnor rakade huvudet så att deras kön var mindre igenkännligt. Designerens intresse för unisexkläder kan betraktas som ett annat uttryck för hans intresse för sartorial frigöringsdräkt utan hänsyn till kön som skulle göra det möjligt för både män och kvinnor att uttrycka sig mer fullständigt, utan hänsyn till samhälleliga begränsningar.

Se båda våra Rudi Gernreich -kaftaner i A Queer History of Fashion på museet på FIT till och med den 4 januari 2014. Hoppas att du har en chans att se denna utställning! Om du gör det, skriv till oss och berätta vad du tycker om Gernreichs unisex -kaftaner.

1 & quotMode för ྂ -talet. & Quot Liv (9 januari 1970), 118.


En kort historia av Unisex -mode

I mars gav London-varuhuset Selfridges en radikal makeover och förvandlade tre våningar i Oxford Street-emporiet till könsneutrala shoppingområden. Androgyne skyltdockor bar unisexplagg av formgivare som Haider Ackermann, Ann Demeulemeester och Gareth Pugh, och butikens webbplats fick en liknande könlös omdesign och visade samma produkter på både manliga och kvinnliga modeller. Dubbed “Agender, ” den tillfälliga popup-shoppingupplevelsen —eller experimentet#8212 visade sig till sist vara mer framgångsrik som marknadsföringsverktyg än en detaljhandelsrevolution som vissa modejournalister har påpekat, idag ’s kläder “är mycket samma för varje kön i alla fall. ”

Relaterad berättelse

Men så var inte alltid fallet. Som Freud uttryckte det: “När du möter en människa är den första skillnaden du gör är man eller kvinna? ’ och du är van att göra skillnaden utan tvekan. ” Hade Freud levt under den 20: e århundradet istället för det 19: e, kan han ha haft god anledning att tveka. I en tid då könsnormer —och många andra normer — ifrågasattes och demonterades, var unisexkläder uniformen för soldater i kulturkriget.

I hennes nya bok Sex och Unisex: Mode, feminism och den sexuella revolutionen, professor Jo Paoletti vid University of Maryland återkommer till unisex-trenden, en pelare i feminism i andra vågen vars inflytande fortfarande ger genljud idag. Som Paoletti berättar var unisexkläder en babyboomer som korrigerade den hårda könsstereotyperingen på 1950-talet, en reaktion på de förvirrande nya roller som påtvingades både män och kvinnor av andra världskriget. Begreppet “gender ” började användas för att beskriva de sociala och kulturella aspekterna av biologiskt sex på 1950 -talet och tyst erkännande av att ett kön och ett ’s kön kanske inte matchar snyggt. Unisexkläderna på 1960- och 70 -talet strävade efter att suddas ut eller korsa könsgränser och till slut gav det emellertid enhetlighet med en maskulin lutning, och mode ’s korta flirt med könsneutralitet ledde till en &# 8220stylistisk whiplash ” av mer uppenbart könsklädda kläder för kvinnor och barn som börjar på 1980 -talet.

När det gäller den amerikanska modeindustrin kom unisexrörelsen och gick i stort sett på ett år: 1968. Trenden började på banorna i Paris, där designers som Pierre Cardin, Andre Courreges och Paco Rabanne trollade fram en jämställdhet “Space Ålder ” av snygga, enkla silhuetter, grafiska mönster och nya, syntetiska tyger utan historiska könsassociationer. När kvinnor brände sina behåar (symboliskt om inte bokstavligt talat) skapade amerikanska varuhus speciella sektioner för unisex-mode, även om de flesta hade stängt 1969. Men deras inverkan kunde kännas under ett decennium efteråt i “his-n-hers &# 8221 kläder, marknadsförda i söta annonser, katalogspreadar och sömnadsmönster. Skillnaden mellan avantgardistisk unisex och den senare versionen, ” Paoletti hävdar, “ är skillnaden mellan gränsförsvarande mönster, ofta modellerade av androgyne utseende, och en mindre hotfull variant, bär av attraktiva heterosexuella par . ”

Barn bar brunten av unisex -dille: byxor för tjejer, långt hår för pojkar och ponchos för alla. “Baby boomers och Generation Xers tenderar att ha mycket olika minnen från unisextiden, ” Paoletti noterar, och hennes bok låter läsarna beundra de progressiva avsikterna bakom trenden medan de krymper vid resultatet. Även om föräldrar befarade att genomdrivning av strikta könsstereotyper kan vara skadligt för barn och rädsla som uppstår av nya vetenskapliga bevis för att könsroller lärdes och var formbara i unga år, skäms det att misstas för att en medlem av motsatt kön lämnade bestående psykiska ärr på många av deras avkommor. Små barn hade burit könsneutrala kläder (och lekt med könsneutrala leksaker) i decennier innan “unisex ” blev ett modeord, men den aggressiva “ icke-könsbaserade ” barnuppfostran på 1970-talet tog neutraliteten till en ny nivå barnböcker och tv -program gjorde en poäng med att visa pojkar som lekte med dockor och kvinnor som pysslade med bilar. Det var först på 1980-talet som de självaktualiserande lektionerna i den spännande barnboken (och kändisberättad LP) Fri att vara … Du och jag gick under för Princess Industrial Complex, en trend som just nu börjar korrigera sig själv. (En 35 -årsjubileumsutgåva av Fri att vara … Du och jag släpptes 2008.)

Även om unisexkläder syftade till att minimera könsskillnader, hade det vanligtvis motsatt effekt.

Även om unisexkläder syftade till att minimera könsskillnader, hade det vanligtvis motsatt effekt. Som Paoletti skriver, var en del av överklagandet för vuxen unisexmode den sexiga kontrasten mellan bäraren och kläderna, vilket faktiskt uppmärksammade den manliga eller kvinnliga kroppen. monokini och unisex-stringtrosan — skapades för tv-serien 1975-77 Utrymme: 1999. Gernreich föreställde sig 1999 som en könsneutral utopi av jumpsuits, turtlenecks och tunika. Medan de var tekniskt unisex, gjorde dessa tätt passande kostymer bärarens kön tydligt uppenbart, och de behöll traditionella könsmarkörer som behåar, smink och smycken för kvinnor.

Unisexrörelsen kan ha gjort kvinnors kläder mer maskulina, men det har aldrig gjort dem okvinnliga dessutom, försök att feminisera mäns utseende visade sig vara särskilt kortlivade, och Paoletti-anteckningar. (Än idag är det främst kvinnor som köper unisexplagg, inte män.) Medan vissa män försökte återta den flamboyans som hade försvunnit med den franska revolutionen, för många så kallade påfågelrevolutionen “ väckte dekadensspöket. och homosexualitet, en rädsla som förstärks av gaybefrielsens rörelse. ” Ironin, påpekar Paoletti, var att “ vid den tiden tenderade riktiga homosexuella män att vara avsiktligt osynliga … Att göra annat var att riskera en & #8217s karriär eller till och med arresterad. ” Det nya populära och vetenskapliga intresset för bisexualitet var verkligen befriande för homosexuella män, och erbjöd dem ett kulturellt acceptabelt alternativ till garderoben. Det var befriande för mode, liksom om alla var lite av varje kön, behövde kläder inte förkunna det ena eller det andra lika högt.

Således brann nyheten med matchy-matchy “his-n-her ” outfits och all-in-jumpsuits-futurism snabbt ut till sexigare androgyni (som Paoletti definierar som kläder som kombinerar manliga och feminina element, snarare än att undvika könsmarkörer helt och hållet). 1966 introducerade Yves Saint Laurent jag röker, en smoking för kvinnor under de närmaste åren, skulle han tolka den manish silhuetten i gangster nålband och safari khaki. Halston gjorde sitt namn med den allestädes närvarande Ultrasuede skjortklänningen —a modern, feminin twist på en man ’s skjorta. Som den nuvarande FIT Museum -utställningen Yves Saint Laurent och Halston: Fashioning the Seventies illustrerar att designarna inte bara klädde kvinnor i herrkläder, de klädde dem som sig själva, i klassiska bitar som återspeglade deras egna, subtilt androgyne garderober. Utställningskatalogen hävdar att denna smala och funktionella stil i samband med den internationella jetsetet var lika tilltalande för unga arbetande kvinnor: inte bara byxor utan ärtrockar, skjortor och kavajer blev kvinnliga garderobsklänningar.

Även män experimenterade med androgyni. Ovanligt började damkläddesigners (inklusive Pierre Cardin och Bill Blass) producera herrklädsel med mandarinhalsband, knapphäftad Nehru-jacka (det västerländska namnet på det traditionella indiska plagget, efter Indiens första premiärminister) var en Cardin-signatur. Tillsammans med tunikor, västar, sportrockar och pälsar erbjöd Nehru -jackan män ett alternativ till den ordspråkiga grå flaneldräkten Nehru -halsband, askoter, turtlenecks och halsdukar som gjorde slipsar föråldrade, åtminstone tillfälligt. Idag bär kvinnor fortfarande byxor till kontoret, men män har återgått till kostymer och slipsar.

Paoletti spårar slutet på unisextiden till mitten av 1970-talet. 1974 presenterade Diane von Furstenberg sin omlottklänning, ett plagg som kombinerade femininitet och funktionalitet. Med sin släta längd, spaltkjol och djupa V-hals var det samtidigt blygsamt och sexigt att det kunde gå från kontoret till diskoteket. Omlottklänningen vägrade kvinnor bort från byxorna, landade von Furstenberg på omslaget av Newsweek 1976 under rubriken “Rags & Riches. ”

Unisexrörelsen kan ha gjort kvinnors kläder mer maskulina, men det har aldrig gjort dem kvinnliga.

Sedan 1990 -talet har dock mode suddat ut könslinjer igen. En nyligen New York Magazine berättelsen spårade modern androgyni till grunge: Kvinnor tog på sig flanellskogshjulströjor och stridsstövlar medan Kurt Cobain poserade i klänningar och huskläder. (Cobain ’s smak för off-the-cuff cross-dressing var uppenbar i de senaste Saint Laurent och Gucci herrkläderna.) Samtidigt dök lookalike par mode (känd som Keo-Peul-Look) först upp i Sydkorea . Den här moderna klädseln “his-n-her ”-klädseln fångas kraftfullt i ett land där offentliga uppvisningar av (fysisk) tillgivenhet är rynkad. Koreanska par är nödvändigtvis androgyne, bär skinny jeans, sneakers, tröjor och hoodies unisexplagg är mycket mer tillgängliga och socialt acceptabla idag än de var på 1960 -talet. Men denna noggranna samordning är inte bara en yttre show som hardcore -utövare matchar sina underkläder. Således har den ultimata relationen publicitet blivit den ultimata relation intimitet, och unisex underkläder är nu en sak.

Faktum är att unisex allt verkar vara tillbaka med hämnd Rad Hourani visade till och med en unisex Haute couture kollektion för vår/sommar 2015. Personal i New York delar upp sina erbjudanden på nätet i Män, kvinnor och Alla-etiketter som 69, Kowtow och The Kooples uppmuntrar till sexbyte. Även rymdåldern är ny igen Christian Dior ’s fall couture show inkluderade astronaut jumpsuits, medan Gucci visade mod skift och lackskinn stövlar. Vad ska vi göra av denna könsförvirring — eller kanske denna bestämda vägran att vara könsförvirrad? 1960- och 1970 -talets mode formulerade många frågor om kön och kön men gav i slutändan inga slutliga svar, avslutar Paoletti. Dessa frågor gick mycket djupare än Freud ’s “hane eller female? bära en smoking. Psykologiskt finns det fortfarande ett stort gap mellan ett manplagg anpassat för en kvinnas kropp och ett manplagg. Men alltmer bär män och kvinnor samma plagg, köpta från samma butiker, i ett detaljhandellandskap som är så rikt, varierat och ibland förvirrande som könet självt.  


9 Könsvätskemodetrender från förr

Från att Katharine Hepburn tar på sig kostymerna till manliga modeller som marscherar i fittor bågar nerför landningsbanan i Gucci, modetrender mellan könen är inte direkt något nytt. Mode och människor som bär det har suddiga könslinjer många gånger tidigare.

Som sagt, det finns vissa trender från könsvätskan från historien som vi på allvar bör överväga att ta tillbaka in i våra garderober - inte bara för det estetiska utan för att hylla de friheter de hjälpte till att föra in i kulturen. Under årtiondena har kläder inspirerat människor att bli mer öppensinnade och framåt tänkande, och könsflytande i kläder är bara en aspekt av det.

Men vilket utseende ska vi ta från det förflutna och tänka om för 2016? Det finns många som fortfarande är i omlopp, men låt oss ta en promenad tillbaka till modehistorien och se alla möjligheter. Nedan finns nio kön flytande modetrender från det förflutna, och varför de fortfarande är fantastiska idag.

1. The Teddy Boy & amp Girl Look

Under 1950-talet upplevde London en Teddy Boy-explosion, där ungdomen gynnade edwardianskinspirerade silhuetter som skräddarsydda kostymer och snygga hårfickor. Enligt Vice hade & quotYouths börjat dyka upp på brittiska gator 1951 i en klädstil delvis inspirerad av Edwardian dandy. Ett avslag på efterkrigstidens gråskalighet-demobdräkter och liknande-det var en stolt excentrisk stil och en som inte tippade locket till den etablerade ordningen. & Quot Uniformen? En draperad jacka som liknade en zootdräkt, med skräddarsydda byxor, brogues och en smord rygg. Tjejerna varierade i det här utseendet genom att kuffa i byxorna och ibland lägga till halsdukar runt halsen, men slutresultatet blev detsamma: En lättsinnig dandy som var trött på att rippa.

2. Kvinnors smoking

Yves Saint Laurent tillverkade den första damdräkten 1966, och den klassiska manliga siluetten gav kvinnorna som klev ur sina kvällsklänningar och in i kappsvansarna. Enligt Business Insider var kvinnan som bar den & quotirreverent & quot och krävde, & quot; om män kan bära det här, varför kan jag inte? & Quot stil kort därefter. Visst, den udda celeben bär en version av den snygga outfiten då och då på den röda mattan, men varför inte välja manschettknappar lika ofta som paljettklänningar när det gäller snygga affärer?

3. Baby Doll Klänningar

På 90-talet hade Kurt Cobain en förkärlek för att inta scenen i allt från Courtney Loves garderob, inklusive babyklänningar och sparsamma muffinsliknande balklänningar. När han blev ifrågasatt varför han hade en förkärlek för den traditionellt feminina klädsiluetten, var hans svar en varför-gör-det-sak axelryckning. Enligt New York Magazine, & quotNär Melody Maker frågade honom 1992 varför han hade valt att bära en vit babydollklänning i videon för "In Bloom", drog han bort. 'Jag vet verkligen inte varför. Jag gillar att ha klänningar för att de är bekväma. Om jag kunde bära ett lakan skulle jag göra det. Jag vet inte vad jag ska säga ... om jag sa att vi gör det för att vara subversiva, skulle det vara en massa skit, för män i band som bär klänningar är inte längre kontroversiella. '& Quot

Med tanke på Mick Jaggers prinsessa Diana halsbandsklänningar och David Bowies sidenklänningar kan Cobain ha varit på något. Genom att omfamna något så typiskt & kvinna & quot som en klänning, har män möjlighet att bryta sig ur sin tuffa kille.

4. Gröda toppar

Unisexstilen började allt med designern Rudi Gernreich, som trodde att män och kvinnor kunde dra exakt samma stilar, utan några könsinflytande tweaks. Oavsett om det bar minikjolar, beskurna tankar eller bikiniset trodde han att det inte borde vara någon skillnad i stil beroende på kön.

Även om detta är en fan-favorit för många kvinnor överallt, verkar män fortfarande få ganska motreaktion. Till exempel, när Kid Cudi kom på Coachella -scenen 2014 i en orange crop top, var det lika mycket pushback som det var godkännande, som Complex rapporterade med en sammanfattning av Twitter -reaktioner.

Ju mer vi ser killar utsmyckade i mage-baring-grödor, desto mindre skandaliserande blir det, och desto mindre benägna kommer vi att ifrågasätta allas sexuella och könsrelaterade tillhörighet när det gäller något så litet som kläder.

5. Byxor

Detta stycke från 1960 -talet kan få det att se ut som om du är ett par som just har rymt ur fängelset, men aning av trenden är vad vi är ute efter och inte den exakta silhuetten.

Verket har faktiskt en spännande, genus flytande början, allt från manliga rockstjärnor, kvinnliga showdrottningar och framtida rymdskeppsboende. Enligt Los Angeles Times, & quotThe onesie slog till på landningsbanan på 1960 -talet när André Courrèges visade sina Space Age -jumpsuits i Paris. Snart anpassade Cher, Abba och Elvis utseendet till sina scengarderober, medan Diana Ross, Liza Minnelli och Bianca Jagger disco dansade i Studio 54 i Halstons draperier, fritt flödande helstilar. & Quot

Att ge jumpsuiten en tusenårig snurr kan göra den superchic för alla kön, där vi släpper den brända apelsintonen och Studio 64 -kragen och ersätter dem med avsmalnande byxor och minimalistiska linjer. I själva verket, enligt Style Blazer, kunde jumpsuiten redan ha startat sin kampanj för en comeback ändå, som redan förekommer i herrskåp.

6. Ponchos

På 1960 -talet gungade både män och kvinnor ponchos, vilket höll i linje med hippietrenden att låna från olika kulturer. Oavsett om du kastade din över byxor eller kjol spelade det ingen roll - mys skulle uppstå oavsett. Skiffer rapporterade, & quotPonchon är naturligtvis knappast något nytt fenomen. I slutet av 60 -talet och början av 70 -talet höjde en poncherad Clint Eastwood, som svängde genom spagettivästern, utseendet Frank Zappa sjöng om frågor om poncho -äkthet i 'Camarillo Brillo' (& quotIs that a real poncho. I mean Is that a Mexican poncho eller är det en Sears-poncho? & quot) och Susan Dey (som Laurie Partridge) populariserade ponchon bland tonårsflickor som var desperata att efterlikna hennes avslappnade, sömniga ögon. & quot och hennes & quot ponchos hade lite mer sammanhang med dem än att bara vara en filt du kunde bära.

Enligt The Smithsonian, & som den feministiska rörelsen fick ånga och kvinnor kämpade för lika rättigheter, blev deras kläder mer androgyne. Män kasserade under tiden gråa flanelldräkter - och den restriktiva versionen av maskulinitet som följde med dem - genom att tillägna sig feminina plagg. & Quot Jo Paoletti, författare till Sex och Unisex: Mode, feminism och den sexuella revolutionen, hävdade att & quotBåda könen ifrågasatte tanken på kön som fast. & quot över.

7. Beatnik -looken

På 1950-talet fanns en subkultur av desillusionerade ungdomar som ville avvisa det välstånd som efterkriget medförde och istället begrava sig i filosofi och poesi. Enter the beatniks, a group of people that favored simple black turtlenecks and cigarette pants, with berets, leotards, and reading glasses thrown in for good measure. AnOther Magazine explained the subgroup, "The post-war boom which flowed over the USA in the late 1950s brought with it more than simply a greater quality of life.

With money came materialism — a plague that members of the Beat movement was determined to withstand." Because of that, their style was bare minimum and simple, where both sexes opted for lots of black and slim silhouettes that let them blend in. "While in the mainstream, adolescents were donning billowing hourglass skirts in an echo of Christian Dior’s New Look, beatniks opted for black Why should we bring this back? Simply put, a minimalist, all-black outfit arguably never goes out of style.

8. Berets

While Gucci is leading the way in bringingneed a source for this vintage silhouettes into men's closets, but the simple hat is rife with history, from being a peasant's hat in the 1550s to a political revolutionary staple. It made a strong comeback in the 20th century, symbolizing different things in different decades, from being a metropolitan staple for all genders in the '20s to a revolutionary symbol in the '60s and '70s for the likes of Che Guevara and The Black Panthers, worn by both men and women. Bring the beret back to your hat rotation: Whether you choose to channel Parisians, beatniks, revolutionaries, or 16th century peasant is up to you.

9. Three-Piece Suits

While the look has long been wildly popular for decades when it came to men, three-piece suits also became popular in the '30s for women. Bold, opinionated female movie stars like Marlene Dietrich and Dorothy Mackaill loved them, buttoning themselves into vests and throwing ties around their necks during a time where women were ostracized for simply wearing pants.

Vice pointed out that in 1939, Vogue fashion editor Elizabeth Penrose spoke out against working women that would wear their pants outside of their workplace, calling them "slackers in slacks." With more than a handful of decades between us and the '30s, the three-piece suit would now look incredibly dapper on for, say, a Tuesday lunch meeting — no matter what gender you identify with.

Next time you go shopping, try to break away from your usual preferences and try out some of these time-transcending gender fluid suggestions. Who knows, you just might love them as much as your fashion forepeople did.

Images: Plaid Stallions (1) Yves Saint Laurent (1) The Face (1) Rollins-Joffe Productions (1) Super Simple (1)


Rudi Gernreich - History

Rudi Gernreich was born in 1922 in Vienna to an intellectual Jewish family. His father was a hosiery manufacturer. His aunt owned a fashion shop that sold the best Parisian knockoffs in the country. During the 1930s, his family fled from the Nazis, immigrating to Los Angeles. He became an American citizen in 1943. In L.A., he worked at a mortuary and in the publicity department at RKO Studios he also studied art at Los Angeles College. When he discovered dance after joining a West Hollywood troupe, it changed his life. He took particular note of the dance uniforms for future inspiration.

By 1950, he decided dance wasn’t paying the bills, so he began pursuing a fashion career. He relocated to New York City to work for George Camel, a coat and suit company. In 1951, he met Walter Bass, who believed in the Austrian’s talent and partnered with him to start a fashion business. Gernreich’s deconstructed sportswear was snapped up on both coasts, making him the designer to watch. He kept pushing the line with every collection. He designed a bra-free bathing suit (1952) and a knitted tube dress (1953) that hugged every curve. His main focus by the late 1950s, however, was swimwear—wool knitted and elasticized. During this time, he also created a menswear line (1956), a women’s footwear collection (1957), and hosiery/stockings (1959).

In 1960, Gernreich broke away from Bass to form his own company, G.R. Designs. He continued to push boundaries with clothing that appealed to women of all ages. His hemlines were cut above the knee—scandalous for the time. Nothing could prepare the world for his next big move—the creation of the topless swimsuit called a monokini. A one-piece suit with a strap between the two breasts, putting them prominently on display, shocked the still prudish public in 1964. Stores that carried the bathing suit were picketed and even received bomb threats. Over 3,000 suits were sold, but only one person in the States was ever spotted wearing it, and she was quickly arrested. If he hadn't been famous before, he was now.

For the next few years, the radical Gernreich clothing was a hot commodity, particularly with teens and 20-30 somethings. He continued to design clothing that moved by using malleable materials. He also used diametrically opposed colors (like lime and purple) and bold graphics in his designs. Some of his wackier concepts included jackets with one round collar and one-pointed collar white satin tuxedos, and military safari clothing complete with dog tags. At his peak, he opened a showroom in Manhattan, exhibiting his knits via Harmon Knitwear and more of his avant-garde designs.

In the early 1970s, he also concocted the concept of "unisex" clothing—that which can be worn by men or women. Some of his biggest unisex designs were knit bell-bottom trousers, floor-length kaftans, Y-front women's underwear, and midriff tops. Other designs that rocked the fashion world were his thong bathing suit that showed off the buttocks, chiffon T-shirt dresses, see-through tops, and vinyl mini-dresses.

From 1970-1971, he designed furnishings for Fortress and Knoll International, and in 1975 he created men's style underwear for Lily of France. Kitchen and bathroom accessories, rugs, and bedding were added to his output, as were cosmetics in collaboration with Redken. Before leaving fashion, he went out with a bang in 1982 by designing the "pubkini," which revealed the wearer's pubic hair. In 1985, Gernreich died of lung cancer in 1985 at age 62.


A queer history of fashion

Fashion is queer and we know it. So why don’t we talk about it? From Christian Dior to Alexander McQueen, Yves Saint Laurent and Jil Sander many of the world’s greatest designers have identified as LGBTQ. And for centuries, fashion has been an instrument of expression and experimentation for this community. The sex-charged creations of designers like Walter Van Beirendonck, and the androgynous looks flooding fashion week’s runways, prove that sexuality and the way we style ourselves are inextricably entwined. Yet, until now, there had never been an in-depth study on the subject.

‘A Queer History of Fashion: From The Closet To The Catwalk’, explores how gender and sexuality have been inspiring and informing fashion for over 300 years. Edited by Valerie Steele, director and chief curator of The Museum at the Fashion Institute of Technology, New York, the book accompanies an MFIT’s exhibition of the same name. It features contributions by some of the world’s most acclaimed scholars of gay history and fashion.

This complex subject is Steele’s thing: she has previously penned books on fashion and eroticism, fetish and gothic style – to name a few. For Steele, fashion is chained to identity, to which sexuality is heart and soul.

Dazed Digital: When you think about how many big name designers are gay it’s actually quite mind-blowing.

Valerie Steele: That was one of the main reasons why Fred [Dennis, co-curator] and I wanted to do this as a subject. It’s like an open secret – everybody knows this but nobody ever really talks about it.

DD: Why has the LGBTQ community always shared such close ties with fashion?

Valerie Steele: It’s complicated because it goes way back further than we’d thought. It involves the whole history of oppression and secrecy surrounding gay sexuality, which was illegal for many years and regarded as a mental illness. So I think gays and lesbians had to be hyper aware of how to read and analyse clothes so as to dress in a way that would allow them to communicate with other people but not to be recognised by a homophobic society. I think another aspect is that fashion is one of the so-called ‘artistic’ professions. And gays have been involved in a lot of those. Once gay people started to work in the fashion industry it started the beginnings of a more welcoming setting for other gays to enter into.

DD: When was this happening?

Valerie Steele: Certainly as early as the 1920’s but probably sooner than that. Gays were already interested in fashion in the 18th and 19th centuries, though we don’t have the names of explicit couturiers. Some of our sources talked about the desire to express oneself in a way other than verbally and the desire to create an alternative world of beauty.

DD: Is there a gay aesthetic?

Valerie Steele: Not just one. Each individual designer has his or her personal style and that’s also tied in with the style of a particular period. So you can see both idealising trends and also transgressive trends in gay design. You can see idealised feminine beauty in the work of say, Dior. But then if you go back a couple of decades to the thirties and the work of somebody like Mainbocher it’s a very different aesthetic.

Butch Chanel, Wigstock, NYC, 1992 Photograph by Michael James O’Brien, c.2013

DD: Marc Jacobs once said, “I don’t believe my sexuality has any bearing on how I design clothes.” Tankar?

Valerie Steele: I think that every component of a person’s individuality does: their age, their sexuality, where they’re from it doesn’t determine it but it influences it. He might be right, speaking personally. But I think that collectively over time it would be highly likely to have an influence.

DD: During this fashion week and for some time we’ve seen a lot of experimentation with androgyny and a neutral space between male and female. Does the LGBTQ influence have something to do with this?

Valerie Steele: Yes I think so. It’s not the sole cause, but historically you look back and you see that from the 19th century on and even earlier many lesbians were attracted to men’s tailored suits and there was the whole concept of whether LGBTQ people were like a third sex, in-between. Somebody like Rudi Gernreich felt that unisex and androgynous clothes might provide a new space for freedom for both men and women.

Dazed Digital: Is there the potential for a third sex in fashion?

Valerie Steele: Well, the bodies are different so a perfect androgyny would be unlikely. And then of course people do want to play with the idea of secondary sexual characteristics and gender as a theme. But I think it does indicate a growing sense of freedom and possibility that people of all sexes, all genders and all ages are able to find a kind of fashion that expresses who they are.

Dazed Digital: Why do we hear so much about gay designers but not so much about lesbian designers?

Valerie Steele: I think there have been more lesbian and bisexual contributions to fashion than we have known about. It’s been much more discreet – for whatever reason women have decided to be more under the radar about their sexuality. Somebody like Madeleine Vionnet, arguably the greatest couturier of the 20th century, was probably bisexual. But she was very discreet about that until in old age when she gave a couple of interviews where she talked about her attraction to beautiful women and so on. Even today it’s relatively rare for bi and lesbian women to be know even within the fashion community let alone within the world at large. It may just be that it’s tough enough to be a woman without having to deal with other people’s prejudice.


En historia om kvinnors badkläder

Från artonhundratalet till idag har kvinnors badkläder genomgått en förändring utan motstycke. Förändringar i kvinnors badkläder genom historien har återspeglat sociologiska och tekniska faktorer, så plagget fungerar som en barometer över tiden.

S wimwear definieras löst som en kategori av plagg som ofta bärs när de deltar i vattenaktiviteter, till exempel simning eller bad. Badkläder förväntas uppfylla olika krav. För tävlande simmare gynnas ett strömlinjeformat och tätt passande plagg som minskar friktion och drag i vattnet för att förbättra framdrivning och flytkraft. För fritidsbruk måste badkläder vara fashionabla samtidigt som de bibehåller sin funktionalitet, till exempel skyddar bärarens blygsamhet och motstår effekterna av element som vatten och solljus. Att utforska kvinnoklädernas badkläder, spåra hur det har utvecklats genom tiden och över kontinenter ger inte bara en inblick i modetrender och tekniska framsteg inom material och design, utan också en undersökning av kvinnlig frigörelse.

1700 -talet

Under artonhundratalet blev havsbad en populär fritidsaktivitet. Man trodde att det fanns stora hälsofördelar med att bada i havet, så det uppmuntrades för både kvinnor och män (Kidwell). Men att fördjupa sig helt avråddes. Detta ansågs särskilt viktigt för kvinnor eftersom aktivitet i vatten inte ansågs vara tillräckligt feminint. För badning skulle kvinnor bära lösa, öppna klänningar som liknade kemisen (Kidwell). Dessa badrockar var bekvämare att bära i vattnet, särskilt jämfört med mer restriktiva dagkläder.

Badrock i figur 1 är från 1767 och tillhörde Martha Washington, hustrun till den dåvarande kontinentale arméns befälhavare, och senare USA: s första president, George Washington. Den blå och vita rutiga klänningen är gjord av linne och är i en opassad skiftstil. Små blyvikter sys in i varje fjärdedel av klänningen, precis ovanför fållen. Detta var för att klänningen inte skulle flyta upp i vattnet och hjälpa kvinnor att behålla sin blygsamhet. Det är känt att Martha Washington reste somrarna 1767 och 1769 till de berömda mineralfjädrarna i Berkeley Springs, West Virginia, för att ta till sig de uppenbara hälsofördelarna.

Fig. 1 - Maker okänd (amerikansk). Badrock, ca. 1767-1769. Linne, bly. Mount Vernon: George Washingtons Mount Vernon, W-580. Gåva till fru George R. Goldsborough, vice regent för Maryland 1894. Källa: George Washingtons Mount Vernon

1800 -talet

Under 1800 -talet överträffade populariteten för fritidsaktiviteter i vattenlevande önska att bada för hälsofördelar. Med detta blev de löst sittande chemise-klänningarna alltmer utrustade och mer komplexa, vilket replikerade silhuetterna av kvinnors mode.

Prioritet nummer ett för kvinnor som deltog i vattenbaserade aktiviteter var att behålla sin blygsamhet. Medan bad för hälsofördelar gick ur mode, tenderade kvinnor fortfarande att bada eller paddla i vatten. Detta berodde på att kraftig träning i vatten inte ansågs ladylike. Kvinnors badkläder var tvungna att återspegla denna uppfattning om att förbli korrekt, enligt definitionen av det moderna samhället. Badkläder skulle bestå av en badklänning, lådor och strumpor, ofta gjorda av ull eller bomull. Dessa tyger skulle bli tunga när de var våta och var knappast lämpliga för några kraftfulla aktiviteter. I det här fallet kan man säga att kvinnors badkläder, som förbjöd lätt rörlighet i vatten, återspeglade och upprätthöll de sociala och fysiska begränsningarna för kvinnor i 1800-talets patriarkala samhälle.

Fig. 2 - William Heath (brittisk, 1794-1840). Sjöjungfrur i Brighton, 1825-1830. Etsning. London: British Museum, 1868 0808.9134. Köpt från Edward Hawkins (dödsbo). Källa: British Museum

Fig. 3 - Designer okänd (amerikansk). Baddräkt, 1870 -talet. Ull. New York: Metropolitan Museum of Art, 1979.346.18a, f. Gift of The New York Historical Society, 1979. Källa: The Met

Under den viktorianska perioden, känd för sina strikta moraliska värden, använde kvinnor ofta badmaskiner, som bilden visar i figur 2, när de kom in och ut ur havet. Badmaskiner var små hus på hjul som skulle dras in och ut ur djupare vatten av hästar. De gav kvinnor en plats att förändra i privatlivet innan de tog sig direkt ut i havet.

In på 1880-talet fortsatte kvinnor att bära badklänningar, som framgår av figur 3 och 4. Dessa plagg hade höga halsar, långa ärmar och knälånga kjolar. Linne- och ulltyger användes fortfarande. Kvinnor hade ofta bälten i midjan för att replikera tidens populära silhuett. Under badklänningen skulle kvinnor bära blommor som byxor för att behålla sin blygsamhet.

Ett alternativt badkläder för kvinnor, populärt mot slutet av den viktorianska eran, var prinsessedräkten (Kennedy 23). Dessa var plagg i ett stycke där blusen sattes fast vid byxorna. Ovanpå hade kvinnor en mid-kalv längd kjol som avledde uppmärksamheten från bärarens figur. Plaggen tenderade att vara mörka färger, vilket innebar att åskådare inte kunde se om plagget var blött. Dräkterna var inte de mest praktiska, begränsade bärarnas armrörelser och tyngde dem i vattnet.

Princess -kostymen var en katalysator för de stora förändringarna av kvinnors badkläder som skulle komma. Tydligen var Princess-kostymen början på en hel baddräkt för kvinnor (fig. 5). Förändringar började ske snabbt när kvinnors aktiviteter i vatten började bli mer socialt acceptabelt. Först på 1890 -talet förkortades byxorna i Princess -kostymen så att de inte kunde ses under kjolen. Materialet som användes för att skapa en Princess -kostym flyttade bort från flanell, som blev tungt när det var blött, mot serge och andra stickade material (Kidwell).

Fig. 4 - Artist unknown. Baddräkt, från The Delineator, Juli 1884. Washington D.C .: The Smithsonian Institution, foto 58466. Källa: Alamy

Fig. 5 - Maker okänd (amerikansk). Baddräkt, 1890-95. Ull, bomull. New York: The Metropolitan Museum of Art, 1975.227.6. Gåva av Theodore Fischer Ells, 1975. Källa: The Met

1900-1945

Under 1900 -talet genomgick kvinnors badkläder betydande förändringar som ett resultat av de materiella framstegen och alltmer liberala modetrender.

I början av artonhundratalet uppstod simning som en tävlingsidrott. Men dess popularitet förstärktes inte förrän det första uppträdandet vid OS 1896. Kvinnor fick tävla i simning för första gången vid OS 1912. Annette Kellerman (fig. 6), en simmare från Australien, kan tillgodoräknas för att de har förändrat sociala attityder till att acceptera kvinnligt deltagande i simning och påbörjat moderniseringen av kvinnliga badkläder. Kellerman kallades "Australian Mermaid" på grund av hennes simningskapacitet. Hon var känd för att simma Engelska kanalen och känd för sina framträdanden i Hollywood -filmer (Schmidt och Tay).

1905 blev Annette Kellerman inbjuden att uppträda inför den brittiska kungafamiljen, men hennes baddräkt var förbjuden eftersom den var tätt passande och avslöjade den nedre halvan av hennes ben. Kellerman vägrade att tävla i ett obekvämt och dåligt passande plagg som skulle uppfylla deras blygsamhetskrav, så hon sydde istället svarta strumpor på sin baddräkt, som framgår av figur 6. Kellerman stötte på problem igen när hon tävlade i Boston. Hennes baddräkt ansågs ha otillbörlig exponering, men detta åsidosattes till hennes fördel då domaren instämde i att tunga och dåligt passande baddräkter var opraktiska plagg för simning. Denna incident publicerades i stor utsträckning i media, och även om Kellermans agerande kunde ha haft en befriande effekt på kvinnliga badkläder, ledde det tyvärr till ett hårdare angrepp mot kvinnlig oförmåga i vissa delar av världen, medan polisen arbetade för att genomdriva strikta klädbeteende.

Fig. 6 - George Grantham Bain (amerikansk, 1865-1944). Fröken Annette Kellerman, ca. 1905. Glasnegativ. Washington D.C .: Library of Congress, LC-B2- 738-5 [P&P]. Källa: LOC

Fig. 7 - Jantzen (1910-). Jantzen 1910-2010, 2010. Källa: Lingerie Talk

På 1910 -talet var Jantzen, ursprungligen känd som Portland Knitting Company, den ledande tillverkaren av baddräkter (fig. 7). Detta var starten på tekniska framsteg inom badklädernas väsentlighet. Till en början producerade Jantzen vad de kallade ulldräkter för roddklubbar. Detta blev mycket populärt och så marknadsförde Jantzen det för en bredare publik. Först 1921 kallade Jantzen plagget som en baddräkt. Speedo, det australiensiska klädföretaget, började experimentera med badkläder 1914. För båda könen tenderade allt-i-ett-plaggen att ha korta ärmar eller väststilar med långa ben. Medan socialreformen hade börjat släpade den kommersiella sektorn efter. Därför fortsatte både Jantzen och Speedo att marknadsföra sina allt-i-ett-kläder som baddräkter under hela 1910-talet.

Efter första världskriget började trender för kvinnor i badkläder att skilja sig från kontinenter. I Amerika och Europa bar kvinnor stickade badkläder som ersatte baddräkten, men det fanns små justeringar beroende på var du bodde. I Amerika föredrog kvinnor ett praktiskt och sportigt utseende medan europeiska kvinnor valde snyggare baddräkter som passade nära kroppen. En annan viktig skillnad mellan de två modetrenderna var att kvinnors baddräktsmodeller var tillgängliga för en mycket stor medelklass i Amerika, medan det i Europa fanns tydliga klassindelningar om vad kvinnor kunde eller inte hade råd att köpa för att bära till stranden. En välbärgad kvinna kunde skilja sig från sig själv genom att bära en baddräkt i siden, istället för en stickad (Kidwell). Kennedy upprepar detta när hon skrev:

"Båda sidor av Atlanten gynnade den praktiska 'maillot' i ett stycke, men i Frankrike var dräktens ben kortare, det stickade ribbverket var mer fint vävt och dekorationen hölls till ett minimum." (34)

Medan maillotdräkterna som bärs av kvinnor var förbättringar av vad de hade att bära före sekelskiftet, hade de fortfarande sina opraktiska egenskaper. På grund av plaggets materialitet tenderade de stickade baddräkterna att bli dåliga när de var våta. Tyget absorberade mycket vatten vilket resulterade i att baddräkten förlängdes och hängde. Dessa frågor äventyrade ofta blygsamheten i kvinnors baddräkter som gällde mellankrigssamhället.

Fig. 8 - Okänd fotograf. Vogue -omslag, Juli 1932. Källa: Vogue Archive

Fig. 9 - Neyret (franska). Baddräkt, 1937. Maskinstickad ull. London: Victoria and Albert Museum, T.293-1971. Källa: V&A

Under denna period började badkläder presenteras i tidskrifter som fashionabla plagg (fig. 8) när modedesigners tog hand om att skapa badkläder. Coco Chanel skapade en baddräkt i ett stycke, vävd av ett boucle-tyg, som nästan kunde ha passerat som unisex (Kennedy 48). Chanels strejk mot badkläder förde det till modernt mode. Jean Patou, som arbetade med sin syster Madeleine, var förmodligen den mest kända sportklädedesignern på den tiden. Badkläder kunde också hittas i Cannes -butikerna Lanvin, Molyneux, Schiaparelli och Poiret (Kennnedy 53).

1930 -talet gav vika för hälso- och fitnessrörelsen som gynnade passform och hälsosam kvinnlig kroppsbyggnad. För att behålla sina siffror uppmanades kvinnor att delta i träning, men bara på sätt som ansågs damliknande. Simning var en av dessa övningar, som också gav kvinnor möjlighet att experimentera med garvning. Mot slutet av 1920 -talet var solbränd hud inte längre en markör för arbetarklassen, utan blev istället moderiktig och förmedlade att man semestrade och var därför välbärgad. Så mycket så, 1932, patenterade Elsa Schiaparelli en rygglös baddräkt med en inbyggd behå för det enda syftet att undvika solbränna från baddräktsband medan du solade (Snodgrass 566).

De pojkiga silhuetterna var ett minne blott då kvinnor sökte mer välformade figurer. Baddräkten i figur 9 är ett maskinstickat, ullplagg från 1937. Ull favoriserades för sina lite elastiska egenskaper. Baddräkten har tunna remmar som gör att kvinnor kan fånga solen på axlarna. Det finns en ribbad midriffpanel som skulle ha gett extra stöd och förbättrat kvinnofiguren. De korta bottnarna bibehåller bärarens blygsamhet.

1945-1999

Lastexgarn (bild 10) uppfanns 1931 (Kennedy 71). Detta var en spelväxlare för badkläder när det regelbundet användes i produktionen. Normalt var stickade baddräkter gjorda av ull som skulle förlora sin form när de var våta. Introduktionen av Lastex -garn i kvinnors badkläder innebar att plaggen skulle hålla sin form in och ut ur vattnet. Lastex skulle ofta kombineras med konstgjorda fibrer som rayon vilket resulterar i ett stretchigt och glänsande tyg (Kennedy 71). Baddräkter kan nu produceras i ett mycket större utbud av färger och tryck (Kennedy 71). Dessutom, i slutet av 1940 -talet, lanserade Christian Dior sitt nya utseende som bestod av nappade midjor och fulla kjolar, vilket accentuerade den kvinnliga formen. Denna spännande design flyttade trenden till feminina och timglasfigurer för kvinnor, inklusive i badkläder. I denna Lastex -garnannons från ca. 1950 (fig. 10) speglar de figursnygga baddräkterna de fashionabla feminina efterkrigstidens silhuetter.

Ett av de mest betydelsefulla ögonblicken i kvinnoklänningens historia var skapandet av bikinin 1946. Bikinins design tillskrivs två separata designers som introducerade det revolutionerande plagget samtidigt. Jacques Heim, en fransk modedesigner, skapade ett minimalistiskt tvådelat simplagg i maj 1946, kallat Atome. Heim’s Atome innehöll en BH-liknande topp och underdelar som täckte botten och naveln. Senare samma år, i juli 1946, skapade Louis Réard, ingenjör som blev designer, vad han kallade bikinin. Réards snäva design, avbildad i figur 11, bestod av endast fyra trianglar av material som hölls ihop med snöre. De två mönstren konkurrerade om allmänhetens uppmärksamhet och medan Heims plagg var det första som användes på en strand, var det termen bikini, som myntades av Réard, som fastnade.

Filmindustrins framväxt och Hollywood -glamour, som hyllade den kvinnliga formen i sin helhet, hade stor inverkan på badkläderindustrin. 1952 spelade Bridget Bardot i den franska filmen Manina, flickan i bikinin. Bardot var bara 17 år en av de första kvinnorna som hade en bikini på storbildsskärmen. Mot slutet av decenniet, 1956, verkade Bardot bikiniklädd igen Och Gud skapade kvinnor. Dessa framträdanden förde bikinin in i vanliga medier och började därmed plaggets övergång från upprörande och chockerande till vardag. Enligt Vogue, i mitten av 1950-talet sågs badkläder mer som ett "klädsel, inte avklädning" (Delis Hill 63), som illustrerar hur befriade modetrender gradvis accepterades, även om samhället inte var helt redo för bikinin.

Fig. 10 - Okänd artist. Innan bikinin: "För att smickra din figur i sommar, välj en baddräkt som har den långvariga elasticitet som Lastex-garnet ger ...", ca. 1950 -talet. Källa: Alamy Stock Photos

Fig. 11 - Fotograf okänd (franska). Bikini vid Molitor -poolen, 1946. Källa: Getty Images

Fig. 12 - Willy Rozier (franska, 1901-1983). Bridget Bardot, 1952, Manina, The Girl in the Bikini, med Jean-Francois Calve, Ullstein Bild Dtl, 1952. Källa: Getty Images

När det gäller konkurrenskraftig simning introducerade Speedo först nylon i badkläder 1956 (Kennedy 10). För OS i Melbourne 1956 skapade Speedo de välkända manliga Speedo-shortsen (Kennedy 10). Kanske överraskande var de tekniska framstegen i materialitet prioriterade för användning i manlig tävlingssimning före tävlingssimning för kvinnor. Det dröjde dock inte länge förrän kvinnors konkurrenskraftiga badkläder också utnyttjade de hydrodynamiska egenskaperna hos nylon. På 1970 -talet introducerade Speedo elastan i sina badkläder. Kombinationen av elastan och nylon minskade avsevärt vattendrag och förbättrade hållbarheten för badkläder.

Fig. 13 - Rudi Gernreich (amerikan, född Österrike, 1922–1985). Baddräkt, 1964. Ull, resår. New York: Metropolitan Museum of Art, 1986.517.13. Gift of Betty Furness, 1986. Källa: The Met

Fig. 14 - William Claxton (amerikan, 1927-2008). Peggy Moffit, monokini av Rudi Gernreich, 1964. Källa: Feature Shoot

Designers fortsatte att experimentera med badkläder under andra halvan av 1900 -talet. Emanuel Ungaro, André Courrѐges, Giorgio Armani, Oscar de la Renta och Calvin Klein började alla sälja färdiga badkläder på 1960-talet (Snodgrass 567). År 1964 lanserade designern Rudi Gernreich sin ikoniska monokini (fig. 13-14). Det första toplösa plagget, helkroppen, bestod av smala passformar med hög midja som hölls på plats av tunna remmar med halster. Gernreichs monokini ställde alltså konservativ klänning mot oförskämdhet.

Fig. 15 - Okänd fotograf. Nicolette Sheridan vid Kauai Lagoons Celebrity Sports Invitational 1988, 1988. Källa: Getty Images

Bild 16 - Okänd fotograf. Pamela Anderson, Baywatch, 1995. Källa: Harper's Bazaar

Mot slutet av 1900-talet blev kvinnors badkläder alltmer djärva och färgstarka, en återspegling av modetrenderna vid den tiden. Bikinier och baddräkter var fortfarande badkläderna, som nu innehöll högklippta ben, axelbandslösa bandeau-bikinitoppar och till och med matchande saronger (fig. 15). Tv -programmet Baywatch, som sändes första gången 1989, blev känd för sina karaktärers ljusröda, högklippta baddräkter (bild 16). Denna stil av badkläder populariserade helstycket i denna nya form.

2000 -talet

Konkurrenskraftig simning under det tjugoförsta århundradet har fortsatt att dra nytta av tekniska framsteg i former och material. Under 2008 lanserade Speedo LZR Racer, avbildad i figurerna 17 och 18. Baddräkten i kroppslängd är gjord av elastan-nylon och polyuretan. Dessa baddräkter var kontroversiella eftersom många tyckte att materialen som användes gav en orättvis fördel på grund av deras hydrodynamiska egenskaper. Efter deras användning under OS i Peking 2008, där idrottare som bar LZR presterade exceptionellt bra, reviderades reglerna för badkläder i de olympiska spelen. Man drog slutsatsen att kvinnors badkläder bara kunde vara axel- till knälånga.

Sedan 2000 -talet återbesöks många kvinnliga badklädstrender från nittonhundratalet på grund av modeets cykliska karaktär. 1950-talets enstycken, högklippt Baywatch badkläder och itsy-bitsy teeny-weeny bikinis kommer ofta att ses på samma strand. Kvinnors badkläder fortsätter att vara mer än bara ett funktionellt plagg, det måste också vara på modet. Något som är nytt inom kvinnliga badkläder under det tjugoförsta århundradet är att badklädmärken är mer inkluderande för kvinnliga storlekar. Trycket att se ut på ett visst sätt när poolen sakta minskar. Medan 1900-talet försökte utrota lagar som styr kvinnors blygsamhet, kanske det tjugoförsta århundradet blir en tid då kvinnors badkläder blir inkluderande för alla.

Fig. 17 - Fotograf okänd. Speedo lanserar världens snabbaste baddräkt, 2008. Källa: Getty Images

Fig. 18 - Mike Stobe (amerikansk). Speedo Baddräktslansering, 2008. Källa: Getty Images

Referenser:
  • Delis Hill, Daniel. Som sett i Vogue. Texas: Texas Tech University Press. 2007. https://www.worldcat.org/oclc/1027144384
  • Kay, Fiona och Storey, Neil. R. 1940 -talets mode. England: Amberley Publishing, 2018. https://www.worldcat.org/oclc/100792685
  • Kennedy, Sarah. Vintage badkläder: A History of Twentieth Century Fashions. London: Carlton. 2010. https://www.worldcat.org/oclc/1089738980
  • Kidwell, Claudia Brush. Baddräkt och baddräkt för kvinnor i USA. Washington: Smithsonian Institution Press. 1968. https://www.worldcat.org/oclc/249672621
  • Schmidt, Christine och Tay, Jinna. Avklädning av Kellerman, Uncovering Broadhurst: The Modern Women och “Un-Australia”, Modeteori, Volym 13, nummer 4. https://doi.org/10.2752/175174109X467495
  • Snodgrass, Mary Ellen. Världskläder och mode: En encyklopedi av historia, kultur och social påverkan. London, England: Routledge. 2014. https://www.worldcat.org/oclc/881384673

Om författaren

Fiona Ibbetson

Fiona Ibbetson är en Londonbaserad forskare inom modestudier och designhistoria. Hon är nyutexaminerad från MA Fashion Critical Studies vid Central Saint Martins, University of the Arts London, och har en BA i antropologi från University of Exeter.


How L.A. designer Rudi Gernreich shifted fashion politics

Wander the new exhibition “Fearless Fashion: Rudi Gernreich” at Skirball Cultural Center in Brentwood and you’ll quickly see how Rudi Gernreich, a gay, Jewish dancer-turned-designer and an activist, was ahead of his time in terms of the scope of his designs and how he saw the future and humanity evolving.

The retrospective, which runs through Sept. 1, celebrates the work of an innovative designer who challenged thoughts on gender, sexuality and diversity, particularly during the 1960s and ’70s, and who once said, “You are what you decide you want to be.”

Gernreich, who died of lung cancer in 1985, predicted that people wouldn’t distinguish between masculine and feminine in the future and instead would seek comfortable, utilitarian clothes that weren’t overly frilly or ornate. Låter bekant?

Among the 80-plus looks and pieces in the exhibition — which also includes oral histories, letters and other artifacts — are styles that immediately recall the ’60s and ’70s: the loud colors, the geometric designs, the bold cuts. But there are also fashion game-changers that speak to the ideal that people should be free of self-imposed or societal restrictions, including unisex caftans, thong bathing suits and swimsuit tops free of underwire.

One afternoon earlier this week, former model Renée Holt, who later worked in movie animation and special effects, strolled through the Gernreich exhibition remembering her days with the designer. The 72-year-old Glendale resident, who also appears on video in “Fearless Fashion” in an oral history, briefly modeled for Gernreich during the early 1970s when he was promoting his unisex fashion. Together, they took work trips to Chicago Osaka, Japan and elsewhere.

Back then, Holt said, she was close to giving up on modeling when her agent called her about Gernreich. Despite being shy, Holt shaved her head and body and posed nude for Gernreich’s projects. She also appeared in a photo with a shaved head wearing one of Gernreich’s unisex black catsuits.

“I felt a lot less repressed as a woman after being with Rudi and hanging around him and [his partner] Oreste,” she said, adding that the experience of working with Gernreich forever changed her as a person, especially after growing up in a conservative family.

Standing at a display of a mannequin wearing the unisex catsuit, its pose mimicking the bent-leg, bent-back pose that she struck during the photo shoot decades ago, Holt said: “This was me. I don’t remember bending that way. Then again, it was 50 years ago. … I was bendy back then. I tried to do it the other day and ended up in bed for two days.”

Gernreich immigrated to Pasadena in 1938 after fleeing Nazi-occupied Austria. His first job was at a morgue. Later, Gernreich, a founding member of the Mattachine Society, one of the first LGBTQ organizations in the U.S., moved from dance into fashion during the 1940s and ’50s. He worked with the likes of entrepreneur Hattie Carnegie and Hollywood costume designer Edith Head and eventually had a deal with retailer Montgomery Ward. (Toward the end of his life, Gernreich mostly abandoned fashion and got into making gourmet soups and housewares.)

Through his fashion career, Gernreich used his clothes to shift thought and raise awareness. For example, he created thong swimwear for women and men, which is on display in “Fearless Fashion,” to protest the city of Los Angeles prohibiting nude sunbathing in 1974.

Another of Gernreich’s groundbreaking pieces on display is the monokini, a topless swimsuit style he created for Look magazine after he told Women’s Wear Daily in 1962 that “bosoms will be uncovered in five years.”

A back-view photo of the monokini appeared in Look, and a front-facing photo appeared in WWD in 1964 worn by the designer’s collaborator and muse, model Peggy Moffitt. (Moffitt co-authored a 1991 book about Gernreich and his work and loaned many of the pieces in this exhibition.) About 3,000 monokinis were sold, and according to his 1985 obituary in The Times, Gernreich, who had a studio in West Hollywood, received praise for his design at the time but was “denounced by the Vatican, the Kremlin and many American clergymen. He received hundreds of letters, many threatening violence.”

Included in the mix on display are pieces from Gernreich’s statement-making 1970-’71 resort collection, which featured military-inspired pieces outfitted with dog tags and rifles. The pieces were shown after the Kent State shootings in 1970.

Also featured in “Fearless Fashion” is a controversial design — a women’s pantsuit, named after gender-bending actress and singer Marlene Dietrich, from the 1960s. Coming before Yves Saint Laurent’s iconic Le Smoking suit, Gernreich’s suit was banned from appearing at the Coty fashion awards.

It was one of the Gernreich pieces that stopped designer Humberto Leon, co-creator of Opening Ceremony and co-designer of French label Kenzo, in his tracks during a recent visit to the “Fearless Fashion” exhibition for which Leon was a consultant.

“Rudi was so much more than a fashion designer,” said Leon, who became involved in the exhibition about two years ago. “He was a political commentator. He was really reacting to the world, and I think [he was] globally influential. His approach to design and the way he used clothing as commentary on the times is something that was super-inspiring.

“I think there’s a timelessness to all of this,” he said, adding that Gernreich’s work easily could be part of fashion in 2019. (The Gernreich label was relaunched in 2018, and pieces are sold at retailers including Ssense and Farfetch.) “That’s because he was beyond fashion. He was making statements. He was freeing women. He was liberating.”

Zigzagging through the exhibition, Leon said visitors to “Fearless Fashion” should remember to take a closer look at the Gernreich pieces on display and consider the mores of the time and the news of the day.

“He really challenged all of those ideas,” Leon said, adding that people today would less likely be outraged by a thong or pantsuit. “The definition of masculinity and femininity were very blurred [in Gernreich’s work], and I think that’s so modern today.”


Titta på videon: ElektroGernreich